TEMA 4. PROTOCOLO Y COMPOSICIÓN DESCARGA
Hola amigos este es el último tema del curso ON LIne y no por eso es menos importante. Después de conocer lo necesario para realizar fotografías de pintura de luz, las herramientas, sus efectos, las diferentes técnicas, ahora toca ver cuales son las mejores composiciones y cual es el camino correcto para realizar una buena fotografía.
Descubrí hace tiempo que la mejor manera para realizar buenas fotografías era ir pasito a pasito. Esto ya lo conocéis muy bien, en los temas anteriores hemos podido aprender sobre todo eso. Ahora toca ver con algunos ejemplos el metodo correcto para construir una fotografía paso a paso.
Es importante saber que no todas las ideas pueden funcionar bien. Debemos conocer nuestras herramientas a la perfección, saber cuales son sus defectos, y en base a eso elaborar un proyecto básico uqe nos permita tener claro que es lo que queremos mostrar desde un principio. Una vez conseguida esa idea básica es cuando tenemos que empezar a completarla. Personajes, efectos y formas diferentes son las metas que debemos alcanzar siempre. Aquí es donde el interés del fotógrafo tiene toda su importancia. Todo depende de lo que te quieras involucrar en un trabajo.
Te aconsejo que en este punto te pares siempre a pensar una idea interesante, no te conformes con poco y siempre siendo consciente de que los tiempos los marcas tu. Tu decides cuanto tiempo invertir en cada trabajo.
COMPOSICIÓN.
Para componer una fotografía debemos tener en cuenta sobre todo el orden. Depende siempre del lugar o localización que hayamos escogido, pero por encima de todo debemos intentar no solapar ningún efecto, y en su defecto intentar siempre hacerlo de la manera más sutil posible.
En esta fotografíá el mayor problema que tenía era la posibilidad de que los efectos que pintase se solaparan. Al hacer el trabajo en solitario tuve que poner guías en el suelo para no solapar ningún personaje
Es importante que para controlar donde tenemos las guías tengamos siempre disponible una pequeña luz para ver algo en la oscuridad. De esta manera podemos crear un verdadero escenario de personajes o formas. No nos importa mucho el tiempo que tardemos en hacer nuestra fotografía, siempre y cuando estemos en interior. En exterior este detalle del tiempo de exposición tendremos que tenerlo mucho más en cuenta.
Si os fijáis en cada linea de personajes todos están con algo diferente en las manos. Este detalle es solo un valor añadido que tenemos que tener siempre en cuenta a la hora de realizar nuestra composición. Si tenemos la posibilidad de aportar efectos sencillos y diferentes a la escena, nuestra fotografía siempre tendrá mucho más valor de complejidad. Este punto es muy importante, sois vosotros quienes tenéis que adivinar y encontrar esos puntos clave que darán a nuestra composoción mucho más valor.
Debemos siempre abrazar la fotografía. Me refiero a que nuestro personaje siempre debe ser el que más importancia tenga en nuestra fotografía, y que nuestra localización debe actuar como una decoración dentro de la fotografía. Esa decoración debe ser acorde con colores utilizados en nuestro personaje. No nos volvamos locos a la hora de colorear nuestras fotografías. El color siempre tiene que ser muy bien utilizado, esto nos dará mucha coherencia y relación con nuestra idea.
Debe ser una obligación que encontremos un lugar apropiado para realizar cada una de nuestras fotografías. Por lo tanto si decidimos pintar un personaje, nuestra localización debe aparecer “abrazando” al personaje en cuestión. Es importante siempre resaltar al modelo de la mejor manera posible. Lo mejor es que siempre aparezca sobre un fondo oscuro. Si no tenemos esa posibilidad, lo mejor es pintar detrás del modelo cubriendo todo el contorno.
Otro aspecto muy importante es el aspecto humano del modelo. En pintura de luz NO es muy recomendable que se le vea la cara al modelo, o simplemente que se pueda leer la marca de camiseta que lleva. Todos esos detalles solo funcionan cuando el modelo va vestido y caracterizado para nuestra fotografía. Pelucas, máscaras y demás complementos es lo que utiliza la gente con normalidad. Cuidado con este detalle y no vayamos a crear un personaje que incluso cause risas. La pintura de luz va acompañada siempre de oscuridad, penumbra, nerviosismo. Todo esto queda mejor plasmado si nos limitamos a resaltar a un modelo de una manera sutil y sin cometer errores de iluminación.
Aun así este punto puede jugar en nuestra contra si no lo utilizamos de la manera correcta. Lo mejor siempre es que podamos utilizar al primer amigo que se ofrezca voluntario y pintarlo de tal manera para que solo se pueda imaginar a un personaje sin rostro, es más sencillo y obtendrás mejores resultados.
Otro ejemplo que habla de caracterizar a un personaje es este. Con una simple linterna y un hilo luminoso se ha podido conseguir una escena muy bien caracterizada. Sin duda la localización ayuda muchísimo pero es importante ver como en lugares con oscuridad somos nosotros quienes tenemos la oportunidad de decidir que pintar para caracterizar correctamente algo, aunque sea con mínimos trabajos de iluminación. Era verano, los modelos iban con bañador y sería un error muy gordo quedarnos con las ganas de fotografiarlos porque no llevaban la ropa más interesante para trabajar algo con luces en la oscuridad. Nunca nos cortemos ante problemas así. Nosotros con nuestra decisión y creatividad haremos lo posible para caracterizar esos modelos y que tengan un sentido dentro de la escena.
En este caso bastó con una iluminación a contra por todo el cuerpo con linterna, esta iluminación consigue una luz muy interesante contorneando todo la parte de la espalda, brazos e incluso piernas, creando un poder especial en cada personaje. Este tipo de iluminaciones son muy interesantes pero a la vez son muy complejas de realizar, tenemos que tener cuidado a la hora de exponer la lintrerna contra la cámara, cualquier despiste mínimo nos dejará una traza grabada en el sensor de nuestra cámara y echará a perder ese aspecto tan suave y que dibuja una silueta perfectamente.
Podéis ver que las texturas de hilo luminoso de los personajes son parecidas pero nunca iguales. Por eso siempre comento la importancia de conocer bien nuestras herramientas. Con el hilo luminoso podemos crear diferentes texturas y formas con una facilidad increible, solo falta que tu cabeza vea dos personajes marinos parecidos pero diferentes entre ellos. Las formas de luz de su espalda los diferencia perfectamente
Tenemos siempre que intentar sacar el máximo potencial a nuestra localiziación, en este caso si tenemos un árbol lo primero es pensar que personaje le quedará bien dibujado dependiendo del lugar elejido. Mis placas se adaptaban perfectamente a esta localización porque podía aprovechar las formas de sus ramas para pintar una placa como enganchada a esa rama y colgando. Este es solo un ejemplo de lo que os quiero decir. En vuestro caso sois vosotros quienes debéis decidir que pintar y en que situación. También mis placas me facilitan el sentido en cada toma. Me refiero que puedo crear una comunicación entre los personajes con facilidad. Se trata de pintar algo y que tenga casi vida, esto es muy importante si queremos causar impresión al observarla. Los personajes de la derecha se están relacionando, en cambio el de la izquierda está solo e ignorado por todos, ejemplo de lo que significa comunicación en una fotografía de pintura de luz.
Importante es saber captar la decoración de la escena. En esta fotografía no interesaba iluminar el árbol de manera frontal. Con un simple contra rellenamos el fondo, contorneamos el árbol y no molesta al interés general que debe ser el de las placas. La contaminación del hilo luminoso blanco contamina con una iluminación muy natural el árbol. Suficiente para dejar claro que eso es un árbol. No podéis olvidar que a veces iluminar de más es peor que una iluminación mínima pero clara a la hora de informar sobre lo que estamos observando.
Otro ejemplo que habla de aprovechar al máximo la localización. Esas grietas estaban pidiendo a gritos resaltarlas de la mejor manera posible. Y cierto es que lo tuve muy fácil, esas grietas actuaban de manera perfecta para rellenarlas con luces. En este tipo de casos no hay que dudarlo y utilizar fuentes de luz muy potentes para resaltar cualquier cosa. En este caso las bengalas de fuego cumplían a la perfección. Al ser una luz indirecta crea unas texturas muy agradables.
Muy importante siempre la combinación de colores. Si el fuego desprende luces rojas será imperdonable que utilicemos colores que no tienen combinación posible. Aunque la teoría dice que los azules le van muy bien yo discrepo mucho en ese sentido. No veo una fotografía con rojo y azul combinado. Yo siempre utilizo parecidos, amarillo, naranja. Intento no salirme de ese orden aunque la teoría diga que se pueden utilizar otras combinaciones, a mi me da buen resultado.
Otro detalle a tener en cuenta es el encuadre.. Como siempre es importante encuadrar de la mejor manera posible. En esta ocasión utilice el mayor picado posible por una razón muy interesante. Queda mucho mejor resaltar al personaje sobre negro y si no subía la cámara iba a tener muchos problemas con eso. Los encuadres que más se utilizan en nocturnas son los contrapicados, con ellos obtienes muy buenos resultados pero en esta técnica ese secreto debemos utilizarlo con cuidado. En esta toma era muy importante encuadrar desde lo más alto posible para que nada se solapase con la intención de resaltar al personaje y las texturas que tiene de alas.
Otra versión diferente utilizando un encuadre contrario. El contrapicado es una alternativa para cuando tengamos la idea de resaltar personajes contra el cielo. En esta ocasión mis placas quedaron a contraluz, con un encuadre tocando el suelo obtenemos más altura en la escena resaltando el cielo sobre todo el fondo.
La iluminación de ese entronque de agua es cenital. Se utiliza mucho en fotografía nocturna, pero hay que saber utilizarla también, al ser una iluminación muy cercana debemos tapar bien la fuente de luz e intentar iluminar lo más alto posible y con la linterna mirando hacia abajo en vertical. No es complicado de aprender, basta con algunas fotos de prueba para captar la idea.
Para mi es mejor la sencillez que otra cosa. Con el tiempo he aprendido a ser más inteligente realizando mis fotografías. Procuro hacer todos mis trabajos lo más sencillos posible. Es importante simplificar en ejercicios siempre que se pueda.
En esta fotografía ha sido suficiente iluminar la escena con una iluminación rasante a las paredes de un color y combinar la esfera con los mismos tonos. Muestra también esa idea tan importante de intentar “abrazar” la escena. Dentro de un marco todo queda suave y sencillo. Más que suficiente para realizar una buena composición correcta.
PROTOCOLO
Para realizar buenos trabajos de pintura de luz debemos respetar un protocolo de fabricación de efectos en nuestra fotografía. Esto quiere decir que para montar una escena completa debemos coger los efectos por separado y obtener con anterioridad un resultado que ya controlemos a la perfección en la medida de lo posible. Esto al principio puede parecer muy pesado, aburrido y nada productivo, pero os aseguro que de esta forma vuestros trabajos van a ganar en complejidad, dificultad y perfección.
Desde el primer momento que tenemos una idea, debemos pensar en los problemas que nos pueden surgir en ella. Esto es muy necesario para conseguir siempre el máximo resultado posible.
Otro detalle importante es que tenemos que aprender a mejorar cada efecto en cada toma. Conforme vayamos experimentando cada foto debemos captar la esencia de cada efecto e intentar siempre mejorar su textura y color a base de memoria visual. El tiempo nos irá enseñando el comportamiento de nuestras herramientas.
Es necesario entender que la fotografía de pintura de luz, no solo se realiza en la calle. Será muy normal que al hacer una suma de tus experiencias con esta técnica, la mitad de las sesiones hayan sido sobre fondo negro. Tus tarjetas de memoria estarán siempre cargadas de fotos experimentales y muy pocas de grandes composiciones complejas y perfectas. Estoy seguro que todas esas fotos “prueba”, habrán merecido la pena.
Podrás concentrarte en tus composiciones, pensar en ideas originales y mucho más creativas. Una vez adquirido ese stock de efectos en tu cabeza, el camino para conseguir un buen resultado será mucho más corto y fácil, te sorprenderás de lo sencillo que te resulta hacer trabajos de fotografía. Sin darte cuenta te sumergirás en la elaboración de fotografías de 500 segundos de exposición sin importarte lo más mínimo el tiempo transcurrido. Desaparecerá esa impaciencia cuando disparamos una foto, iremos tranquilos en su elaboración, seguros de lo que tenemos que hacer en cada movimiento, pero sobre todo tendremos garantizado esa concentración muy necesaria para crear un dibujo que roce la perfección.
Todos somos capaces de respetar estos pasos, el problema es la impaciencia de la gente por querer mostrar multitud de trabajos que terminan perdiendo todo el interés por su poca elaboración. No podemos caer en esta trampa, debemos intentar ser diferentes, mostrar en nuestras fotos efectos controlados. Este protocolo no te sirve para tener muchas fotos normales en tus archivos. Te servirá para crear las fotos necesarias para centrarte en grandes trabajos, y conseguirás composiciones que te harán sentir muy orgulloso por la dificultad que muestran.
En este tríptico os muestro un ejemplo de como trabajo mis fotografías. El escenario es el fondo negro de prácticas. Siempre necesario para experimentar cada composición. Sobre este fondo aprenderemos muchas cosas y no hace falta salir de casa. En la primera fotografía utilicé el color verde en general y quedé muy satisfecho con el resultado pero quizás no era lo que estaba buscando.
Creo que estos personajes ganan más si dibujamos más información arriba y no tanto en la parte inferior. Por lo tanto ya tenía claro que debía centrarme más en la parte superior. Es importante observar bien los primeros resultados y olvidar ideas que al principio podíamos pensar que serían interesantes. Cabe la posibilidad que al observar el resultado pensemos esto, no debemos desesperar y pensar que las luces se han limitado a enseñarnos la realidad de sus efectos. En muchas ocasiones es la única manera de aprender su comportamiento.
El suelo fue otra experimentación, no era lo que iba buscando pero de esta manera me di cuenta que debía cambiar la manera de manipular el hilo luminoso, eso es el protocolo de la pintura de luz.
En la segunda versión cambio de color general, el blanco me gusta mucho más que todos los colores aunque es más difícil de pintar porque desprende mucha luz. No quiero decir que el color verde no quede bien, aquí es donde entra en juego el gusto personal de cada uno. No puedo decir que no utilicéis colores, pero es necesario saber que la combinación es muy importante. Nunca lo olvides y párate a pensar antes de combinar colores, este ejercicio debe ser perfecto siempre.
En esta segunda foto he dado más importancia a la parte superior realizando unas formas controladas con el hilo luminoso. Para pintar con el hilo luminoso de esta manera solo debemos mantener siempre fijo el hilo en el centro de la espalda del modelo. Si logramos que no se mueva del centro vamos a conseguir mucha simetría, solo tendremos que memorizar en que ángulo hemos dibujado con el hilo para repetir lo mismo en el otro lado. Para conseguir ese efecto plumero, cogemos con dos dedos donde decidamos crear el cambio de textura y movemos de arriba a abajo en un movimiento rápido. Encendía y apagaba el hilo con cada forma por separado para mantener esa oscuridad de por medio.
La parte inferior quedó horrible pero muy aprovechable para aprender de los errores y perfeccionar en la toma siguiente.
En el suelo se puede apreciar el cambio de textura. En la primera foto pinte el suelo manteniendo el hilo levantado a unos 30 cms del suelo, esta textura puede ser interesante pero prefería no obstaculizar al modelo ni quitarle protagonismo, por lo que decidí dibujar el hilo pegado al suelo sin levantar hacia arriba, todo con un movimiento rápido y sin paradas.. Como segundo efecto mantuve el hilo en pequeñas paradas para marcar más con pequeños dibujos circulares. El efecto era lo que buscaba pero sabía que podía mejorar.
La tercera foto fue la última en realizar, después de observarla con detenimiento encontré pocos fallos mínimos. Todo estaba dibujado como lo veía en mi mente y esto es lo que debemos siempre de buscar en nuestras fotografías. Nuestra mente manda en eso, somos nosotros quienes con esfuerzo y trabajo tendremos que elaborar una fotografía lo más semejante posible a lo que nos imaginamos en un principio.
La parte superior quedo inmejorable, quitando un poco de tamaño a las trazas rosas, podía realizar un segundo dibujo encima con menos fuerza y color. Este efecto complementario es solo una alternativa a la hora de solapar efectos. Hay que ser muy cuidadoso a la hora de destacar un elemento u otro. Si las trazas más fuertes son redondeadas y suaves, lo mejor es pintar encima otro efecto con menor fuerza y destacando con unos dibujos de lineas diferentes. Esas alas combinan de una manera correcta, no quitan protagonismo a las texturas redondeadas y abrazan a todo el personaje de una manera muy sutil.
Tendremos que visualizar con nuestras pruebas todo este tipo de comportamientos de las luces en la oscuridad. El protocolo de luz sin duda es necesario si nuestro interés es alcanzar un buen nivel pintando con luces.
La parte inferior del modelo es el resultado de muchos errores que se pueden observar en las dos tomas anteriores. Al final terminamos corrigiendo todo aquel efecto que bajo nuestro punto de vista creemos que se puede mejorar.
Al fin la textura del suelo ha quedado terminada a mi gusto. Mi interés era destacar texturas más concentradas de luz encima de esa textura de efecto humo, típica en el hilo luminoso. Si creamos este tipo de combinaciones de movimientos con el hilo, nuestras fotografías adoptarán mucho más valor, el buen pintor de luz se destaca por estos pequeños detalles en donde el fotógrafo deja claro que controla a la perfección el movimiento y luminosidad de sus herramientas.
Este trabajo es un pequeño efecto sobre fondo negro, mucho más fácil de trabajar y componer. No podemos olvidar que todo esto forma parte dl protocolo de luz para conocer a la perfección todas nuestras herramientas.
Otro trabajo de interior que muestra lo importante que es realizar los efectos paso a paso. Construyendo desde el efecto más básico y centrándonos en los efectos más complejos para conseguir una fotografía con orden y sentido.
El personaje TRON era un reto que tenía en mente por la complejidad que tenía. La inspiración vino observando un video musical donde aparecía un Dj con una mesa de mezclas. La idea apareció rápido, quería crear una mesa de luces y a la vez insertar a un Dj tocando esa mesa. El gran problema era que necesitaba incluir los brazos del modelo encima de la mesa, y teniendo en cuenta que en la mesa aparecían efectos de luz con mucha intensidad, debía pintar todo con mucha intención.
Otro problema era controlar los dibujos de la mesa, para esto necesitaba la suerte y mucha técnica, cada fotografía que realizaba mostraba unas formas y tamaños diferentes en la mesa. Los circulos estaban realizados con láser y las lineas azules con un mechero led. Utilicé el mechero porque era una buena herramienta para dibujar lineas rectas, apoyando el mechero sobre la mesa y mostrando el led siempre a la cámara.
En esta secuencia podéis ver la diferencia entre efectos en la mesa, es interesante apreciar lo complejo que es intentar este efecto una y otra vez siendo consciente que un mínimo error de iluminación te puede hacer perder una gran foto. Todos estos riesgos tendrás que sufrirlos si quieres componer de una manera compleja.
El efecto de los brazos ya lo tenía controlado en la segunda foto pero se puede observar que en la tercera cometí diversos errores y todo eso se traducía en errores que se podían observar con facilidad.
Otro detalle a mencionar era la dificultad de estilizar al personaje a base de una buena iluminación en los contornos. En la tercera fotografía se puede observar como la iluminación que contornea el tronco del modelo es aceptable, no consiguiendo lo mismo en la cuarta fotogrsfía que volví a cometer otro error.
En la tercera fotografía se observa un relleno realizado con hilo de luz. Cambié de opinión al ver el efecto y decidí utilizar la brocha de luz que dibujaba de una manera más suave. Este detalle era importante porque de pintarlo de manera equivocada, restaríamos mucho protagonismo al modelo en la zona de los brazos y pecho.
Una vez asimilado todo el trabajo de la escena, era el momento de empezar a limar defectos y poner solución a varias incógnitas. Había una cuestión que no lograba darle respuesta, la cabeza al iluminar mi pelo oscuro no quedaba como quería. No tuve otra posibilidad que ponerme una peluca blanca para que con facilidad pudiera dar información a esa zona que siempre me quedaba muy mal. Esta peluca también me servía para asegurarme poca textura roja encima a la hora de rellenar el fondo. Siempre lo dejaba al final y al comenzar a pintar el fondo me aseguraba de pintar entre mis brazos y tronco para rellenar esa pequeña zona.
Como veis los dibujos de la mesa aun eran muy caprichosos y eso era una dificultad y un riesgo que debía correr.
Incluso en las tomas finales antes del resultado, aun cometía el error de no estilizar el tronco del personaje.
Todo un trabajo que explica que la pintura de luz no es agradecida en ningún momento al empezar. Solo depende de ti que logres aguantar el tirón y el tiempo y tus composiciones te demostrarán que todo es posible con una buena educación dentro del protocolo de luz.
Este video muestra desde la primera hasta la última foto el protocolo de luz necesario para conseguir trabajos importantes.
La siguiente secuencia de fotos muestra que no todo es tener una buena idea y saber como pintarla. En muchas ocasiones la técnica te permite expresar de la mejor manera posible tus ideas y mostrarlas en tus fotos.
En este trabajo lo difícil era dibujar los personajes perfectos en la posición perfecta. Considero que controlo el hilo de luz bien, pero reconozco que es una herramienta muy frágil, el más mínimo error en este tipo de trabajos muy concretos hace que el personaje pierda la “naturalidad” que siempre intento mostrar con esta técnica.
Lo primero de todo siempre es iluminar la escena y tener en cuenta las reglas dentro de la fotografía nocturna. El contrapicado era necesario en esta escena. Tuve que bajar al nivel del suelo la cámara para poder obtener un cielo limpio y que el entronque de agua fuese el posadero más destacado, dejando como decoración el horizonte sin molestar mucho en la escena. La iluminación cenital utilizada en esta escena es muy productiva. Ante elementos bajos siempre podemos introducirnos en el encuadre para iluminar por zonas ese elemento. En esta ocasión fue suficiente un paseo de un extremo a otro iluminando en picado desde encima de la estructura. Una vez controlada la iluminación y conforme con ella, llega el momento más difícil.
Con las placas siempre empiezo dibujando una en solitario, prefiero ver si voy encaminado con anterioridad o simplemente no tiene sentido dibujar en esta fotografía. En esta ocasión me gusta el efecto conseguido. Da una sensación de soledad que me encanta mostrar en mis fotografías. La noche invita más a lo solitario y este personaje quiere decir algo parecido.
En la siguiente prueba repito el personaje e intento rellenar esa zona de la izquierda con otro personaje. La intención es ir completando necesidades que tiene la escena. Ese segundo personaje necesita mejorar, el cuerpo confunde y la llave que hay en su espalda debería resaltar mucho más. Observo un error que me incomoda en esta segunda fotografía. Creo que les falta expresión a los personajes, sea del tipo que sea.
Paso a paso vamos descubriendo que es lo que más le beneficia al escenario.
En esta fotografía decido crear una expresión comunicación visual. Estos personajes etéreos no tienen cuerpo, pero si tienen alma. Es importante crear este tipo de relaciones en las fotografías. En esta ocasión, nos referimos a las placas pero en vuestras ideas siempre tenéis que intentar comunicar algo con algo. Relacionar las cosas dentro de una fotografía no es fácil pero siempre es meritorio aportar un valor añadido al trabajo final.
Este trabajo ya me parece muy interesante. Hemos conseguido crear un ambiente más coherente comparando con los anteriores. Este avance es lo que os intento explicar y que debéis aplicar en vuestros trabajos.
Un detalle que no me terminaba de convencer era la llave que había a la izquierda. Esta decisión de repetir la toma pudo ser un error, pero en la pintura de luz, una cosa lleva a otra mucho más interesante. Sin mucho intención terminé dibujando tres personajes solo porque necesitaba ver como destacaba esa llave de la izquierda.
Ya tenía la llave de la izquierda en su punto, resaltando en ese entronque de agua. Pero esto es pintura de luz, había conseguido mejorar esa zona pero en esta fotografía no había obtenido el resultado esperado con las placas. El fallo lo encontraba en la placa del centro, ese cuerpo que dibujaba podía mejorar. Solo había que repetir la escena arreglando ese detalle, y necesitando suerte para que todo lo demás se dibujase de una manera correcta.
Ese personaje del centro era lo que iba buscando. Pequeño y mostrando un sentimiento con la cabeza baja. Se puede ver un fallo en la cabeza del personaje de la derecha, fácilmente se puede arreglar con PS, pero esto depende de como veas la fotografía de pintura de luz. El tampón de clonar es una herramienta muy utilizada, y por desgracia en la pintura de luz muchas personas la utilizan a su interés. Son capaces de eliminar efectos, y no se dan cuenta de que es más divertido “limar” esos pequeños detalles en la calle. Se están perdiendo la verdadera esencia de la pintura de luz.
Ya conocéis el protocolo de luz.
Nunca os deis por vencidos, las luces actúan según nosotros las manipulamos y siempre tienes la oportunidad de mejorar tu trabajo si pones pasión en lo que haces.
Recuerda que el límite lo pones tu, tu decides hasta donde llegar, en este curso has conocido muchos puntos importantes dentro de la pintura de luz, pero sin duda el más relevante es que todo depende de ti.
Esto es la pintura de luz, compleja, participativa, creativa y diferente. Solo necesitas querer pintar con luces en la oscuridad, y si respetas al menos un poco este protocolo, te aseguro que no tardarás en ver tus resultados mucho más completos en todos los sentidos.
Mucha suerte pintor de luz, ojalá nunca olvides esta técnica porque es increíble y nueva en España, ahora queda seguir descubriendo efectos, herramientas y dando forma a personajes que solo tu mente podrá crear a base de pintar con luces en la oscuridad.